Serena de Pandolfo et Risbjerg

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1930, dans les Smoky Mountains, Pemberton, propriétaire de forêts, revient de Boston après trois mois d’absence. Durant son séjour, il s’est marié. Ses salariés vont découvrir la vénéneuse Serena. Elle n’est pas venue pour faire de la figuration ou s’occuper du foyer de Pemberton. L’exploitation du bois, elle connaît et c’est en associée qu’elle agit à la grande surprise des salariés de son mari. Elle impressionne par la force de son caractère, sa dureté et son sens des affaires. Serena voit grand, très grand et elle pousse son mari à acheter d’autres terres. Elle veut les exploiter totalement pour partir s’installer au Brésil. De nombreux obstacles vont s’élever sur la route de Serena, mais elle compte bien les éliminer un par un.

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Ane-Caroline Pandolfo et Terkel Risbjerg ont adapté le roman éponyme de Ron Rash. Les premières pages plantent le décor, le sang coule rapidement après l’arrivée de Serena à Waynesville. L’ambiance est immédiatement tendue, rugueuse. Le dessin rend parfaitement compte de cela. Le coup de crayon est rapide, sans fioritures et les visages sont patibulaires. Et Serena ne fait pas exception. C’est une femme forte, cruelle. Rien ne semble pourvoir arrêter sa soif de pouvoir et de réussite. Elle ne fait preuve qu’aucune empathie envers son prochain. Elle semble être née pour une telle époque et un milieu hostile. C’est un personnage féminin marquant, étonnant pour l’époque dans laquelle elle s’inscrit. Elle est évidemment le point fort de cette bande-dessinée.

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« Serena » montre également parfaitement la dureté de l’époque. Nous sommes en 1930, juste qprès la grande crise de 1929. Les hommes sont près à tout pour travailler et les Pemberton ne se privent pas de les exploiter. Les conditions de travail sont plus que difficiles. La sécurité passe après les profits. Les hommes perdent leurs vies, parfois juste un membre, à déforester les terres des Pemberton. Le non respect de la nature est aussi évoqué. Les Pemberton sont freinés par un projet d’aménagement de parc national. Les paysages sont dessinés comme des terres désolées, dévastées par le passage des hommes.

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« Serena » est l’histoire d’une femme ambitieuse, cruelle mais également celle d’une terrible vengeance. Le dessin rugueux de la BD rend magnifiquement compte de la tension, de la brutalité de ce thriller.

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Ecoute la ville tomber de Kate Tempest

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Le livre s’ouvre sur la fuite en voiture de Becky, Harry et Leon. Ils quittent Londres avec une valise pleine d’argent. D’où vient cet argent ? C’est ce que le reste du roman va nous montrer. On retrouve nos trois personnages un an avant leur fuite en voiture. Becky essaie désespérément de faire partie d’une troupe de danseurs. Pour payer son loyer, elle travaille dans le café de son oncle et pratique des massages. C’est lors d’une soirée qu’elle rencontre Harry. Cette dernière deale de la cocaïne en attendant d’avoir assez d’argent pour ouvrir un bar avec son meilleur ami Leon. Celui-ci est son garde-du-corps, discret, il surveille les arrières d’Harry pendant les transactions. Les deux jeunes femmes vont se plaire immédiatement et leur rencontre va faire des étincelles.

« Ça vous rentre dans la peau. On n’en prend pas conscience tout de suite, seulement quand on regarde ce qu’on a toujours connu, ce qu’on laisse derrière soi, par les vitres de la voiture.

Ils longent les rues, les magasins, les coins de trottoir où il se sont installés. Les fantômes du passé sont de sortie, le regard braqué sur eux. Peau douteuse, yeux renfoncés, sourires flippants.

Ils le sentent dans leurs os, même. Le pain, la picole, le béton. La beauté que ça renferme. Les souvenirs fragmentés qui les aveuglent. Prêcheurs, parents, ouvriers. Des idéalistes aux pupilles vides qui vont droit dans le mur. Les réverbères, les voitures, les cadavres à enterrer, les bébés à faire. Un boulot. Rien qu’un boulot. » 

C’est ainsi que s’ouvre le premier roman de Kate Tempest. Ces premières pages sont extrêmement percutantes, rythmées et montrent une grande acuité, une lucidité sur notre époque. Même si la suite se fait plus sage en terme de langue, ce premier roman est vraiment prometteur. Kate Tempest est rappeuse, poétesse et dramaturge et son premier roman impose une nouvelle voix de la littérature contemporaine. L’auteur a un sens de la formule, elle étudie et analyse les sentiments de façon nouvelle. Elle utilise des images inédites et d’une grande poésie. Elle réussit notamment à renouveler des situations pourtant banales comme le coup de foudre : « Harry sent la chair de poule qui se propage, elle tourne la tête et découvre qu’une inconnue l’observe. Ce simple regard suffit à l’aveugler. L’inconnue est lumineuse. Elle lui explose au visage. Bombe à fragmentation. Elle lui brûle la rétine.« 

Kate Tempest caractérise également parfaitement ses personnages. Ils prennent chair sous ses mots. Et ce qui m’a beaucoup plu dans ce roman, c’est la manière dont elle inscrit ses personnages principaux dans une constellation de personnages secondaires. Et pour chacun, il y a quelques pages pour nous les présenter, nous raconter leurs vies. On sent beaucoup d’empathie pour ses personnages qui évoluent dans une société dure où les aspirations de chacun sont difficiles à affirmer. Cette société offre peu d’illusions à la génération de Harry, Becky et Leon.

En revanche, ce qui est moins réussi dans le roman est l’intrigue principale qui finalement n’occupe pas tant de place que ça ! Le livre s’ouvre sur une fuite après un casse. On s’attend donc à un roman plutôt tourné vers le thriller et le suspens. Et cela ne revient qu’à la toute fin du roman. La chronique des habitants d’un quartier sud de Londres suffisait amplement à faire un livre intéressant. Ce n’était pas nécessaire d’en rajouter pour accrocher le lecteur qui l’était déjà grâce au ton et à l’écriture de Kate Tempest.

« Ecoute la ville tomber » est un premier roman qui n’est pas sans défaut mais il est extrêmement prometteur et nous révèle une nouvelle voix de la littérature anglaise.

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Numéro 11 de Jonathan Coe

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Lors d’une visite chez ses grands-parents , Rachel croise le chemin d’une étrange femme qu’elle nomme « la folle à l’oiseau » car elle se promène avec un faucon. Quelques années plus tard, elle séjourne à nouveau chez ses grands-parents accompagnée de son amie Alison. Les deux enfants vont chercher à en savoir plus sur « la folle à l’oiseau ». Ce qu’elles vont découvrir et vivre durant ce séjour vont les marquer pour le reste de leurs vies.

Il est difficile de s’étendre plus longuement sur le résumé de « Numéro 11 », le dernier roman de Jonathan Coe. Le roman présente effectivement une myriade d’intrigues et de personnages au travers de cinq grandes parties. Il semble au départ que les histoires ne se recoupent pas mais en réalité un fil rouge les sous-tend. Elles possèdent également plusieurs points communs. Le numéro 11, tout d’abord, qui peut être le 11 Downing Street, ou un numéro de bus, ou encore le nombre d’étages qu’une famille richissime se fait construire en sous-sol. L’amitié entre Rachel et Alison est un autre point commun. On croise les deux personnages à différentes périodes de leurs vies et dans des situations variées. Elles sont parfois des personnages secondaires, parfois elles n’apparaissent pas du tout comme dans « Le prix Winshaw ». Et voici encore un point commun à une partie des histoires racontées ici par Jonathan Coe : la famille Winshaw qui relie « Numéro 11 » à « Testament à l’anglaise », le roman qui a fait connaître le romancier anglais.

« Numéro 11 » n’est pas à proprement parler une suite de ce roman mais sans doute est-ce le livre qui rappelle le plus le formidable « Testament à l’anglaise ». On retrouve donc la terrible famille Winshaw, ou ce qu’il en reste, et cela permet à Jonathan Coe de revenir à la satire sociale. Nous sommes ici à l’ère de Tony Blair et la critique se fait mordante. Il faut dire que la société contemporaine a plus d’un travers : surexposition dans les médias ou les réseaux sociaux, travail clandestin, participation de l’Angleterre à l’intervention des USA en Irak, ultra-libéralisme, aggravation des inégalités. Le sous-titre du roman, « Quelques contes sur la folie des temps », n’a pas été choisi au hasard !!! Jonathan Coe retrouve un humour grinçant et souligne l’absurdité de notre monde. Le plus marquant étant les fameux onze étages en sous-sol où se trouveront piscine, coffre-fort, petits personnels, etc… Jonathan Coe accentue ici un véritable travers, le règlement de l’urbanisme londonien empêche en effet de développer les maisons en hauteur, il faut donc se mettre à creuser si l’on veut augmenter sa surface habitable ! L’argent peut tout acheter et peut tout permettre. S’ajoute à la satire, une petite pointe de fantastique qui rajoute à l’étrangeté à ce roman parfaitement mené.

Jonathan Coe est l’un de mes écrivains préférés et « Numéro 11 » fait partie de ses meilleurs romans. Ce livre est une réussite tant sur le fond que sur la forme. Il offre une satire mordante et juste de l’Angleterre contemporaine. Des retrouvailles avec Jonathan Coe extrêmement réjouissantes !

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Bilan livresque et cinéma de mai

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Cinq romans  et deux bandes-dessinées sont à porter sur mon compteur pour le mois de mai. Parmi mes lectures, une pépite, un bijou de la littérature européenne : « La nuit sous le pont de pierre » de Leo Perutz qui entrelace les époques, les personnages, le shistoires avec une intelligence rare. Deux découvertes dont je vous ai déjà parlées : « Maisie Dobbs » de Jacqueline Winspear un roman policier très plaisant qui donne envie de découvrir la suite de la série ; « L’écrivain public » de Dan Fesperman qui m’a séduit grâce à son héros atypique. Je vous parle très bientôt du premier roman percutant de Kate Tempest, du dernier roman en date de mon cher Jonathan Coe et de « Serena », BD adaptée de Ron Rash.

Et côté cinéma ?

Mon coup de cœur :

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Chez Perrin Industrin, la colère gronde. La maison-mère en Allemagne veut fermer le site et mettre au chômage 1100 salariés. Mais ces derniers ont décidé de ne pas se laisser faire. Les syndicats ont organisé l’arrêt du travail et le blocage de l’usine. La guerre entre les salariés et les dirigeants de l’entreprise commence. Le nouveau film de Stéphane Brizé est une claque. Il est d’une intensité, d’une force remarquables. Il est également d’une incroyable justesse. Le combat des Perrin nous est malheureusement familier. Celui d’autres salariés nous a été montré dans les journaux, sur les chaînes d’infos (Stéphane Brizé nous montre d’ailleurs la manière dont celles-ci traitent ce type d’actualité). Le réalisme est renforcé par le fait qu’une partie des partenaires de Vincent Lindon sont des acteurs non professionnels. La rapidité de l’action, des mouvements de caméra donnent l’impression d’être dans un documentaire. Et que dire du jeu de Vincent Lindon, toujours plus juste, authentique et intense ? Après « La loi du marché », sa prestation est encore une fois mémorable. Stéphane Brizé montre à quel point le combat est inégal, il montre la vérité des négociations entre les différents partenaires dont l’État. L’instinct de survie face à la loi du marché. « En guerre » est un film nécessaire, puissant et marquant.

Et sinon :

  • « Plaire, aimer et courir vite » de Christophe Honoré : Jacques est écrivain et il est atteint du sida. Il se cache, se terre pour éviter de montrer sa déchéance. Il est néanmoins obligé d’aller à Rennes où se joue l’une de ses pièces. C’est dans une salle de cinéma qu’il croise la route d’Arthur, un étudiant. Une histoire débute entre eux que Jacques tente de freiner. Mais lorsque Arthur débarque à Paris pour le voir, Jacques finit par s’abandonner à cette dernière histoire d’amour. Christophe Honoré est ici dans la veine de son plus beau film « Les chansons d’amour ». On y retrouve son romantisme désespéré, sa mélancolie. « Plaire, aimer et courir vite » est emprunt de gravité, Jacques se sait au bout du chemin. Il a vu d’anciens amants disparaitre. Mais le film n’est pas que sombre. Il est émaillé de scènes légères, drôles et la présence de Vincent Lacoste contribue à ses moments lumineux. Pierre Deladonchamps est vraiment un acteur d’exception, sensible, fragile et au jeu subtile. Le troisième compère, Denis Podalydès, est également au mieux de sa forme. Même si j’ai trouvé quelques longueurs au dernier tiers du film, « Plaire, aimer et courir vite » est un très beau film sur les hésitations du cœur, la passation de la culture et la fragilité de nos vies.

 

  • « Everybody knows » de Asghar Farhadi : Laura revient dans son village natal en Espagne avec ses deux enfants pour le mariage de l’une de ses sœurs. Son mari a dû rester en Argentine à cause de son travail. Les retrouvailles sont chaleureuses. En plus de la famille, Laura revoit Paco, un ami d’enfance. Le mariage est joyeux, toute la famille célèbre bruyamment cette nouvelle union. Malheureusement ce dernier se termine par un drame. Les scènes d’exposition du film sont absolument remarquables. le film s’ouvre sur un clocher poussiéreux où règnent les colombes, sur une personne qui coupe des articles de journaux. Ces deux scènes mystérieuses, inquiétantes contrastent avec les scènes de liesse du mariage. Elles donnent le ton de la suite du film qui révèlera les failles, les blessures de chacun. Le drame précipitera les ruptures, les règlements de compte. C’est ce qu’observe le réalisateur iranien, ce sont les fêlures de l’âme qui l’intéresse. Il faut saluer le beau casting du film avec en tête un fabuleux Javier Bardem tout en nuances.

 

  • « Transit » de Christian Petzold : Georg fuit des forces fascisantes qui envahissent la France. Il s’échappe avec un ami dans un train de marchandises. Son compagnon de route ne verra pas la fin du voyage. A Marseille, Georg  arrive à usurper l’identité d’un écrivain allemand qui s’est suicidé dans son hôtel. Sa femme le cherche et elle va croiser la route de Georg à plusieurs reprises. L’histoire aurait pu se dérouler en 1940 mais le réalisateur a choisi de la placer à une époque contemporaine. cela crée un certain malaise au début du film, ce choix est déstabilisant. Les deux acteurs, Franz Rogowski et Paula Beer, sont très bien et les scènes qu’ils jouent ensemble sont convaincantes. Elles apportent de beaux moments de sérénité par rapport à la situation anxiogène dans laquelle se trouve Georg. Mais l’intrigue reste trop mystérieuse, allégorique pour captiver réellement.

 

 

Les adaptations de Tess d’Urberville

La semaine dernière, je vous parlais du magnifique roman de Thomas Hardy : « Tess d’Urberville ». J’ai eu l’occasion depuis de voir trois adaptations tirées du livre : celle de Roman Polanski qui date de 1979, celle de ITV de 1998 et celle de la BBC de 2008. Laquelle des trois est la plus réussie ?

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1-La fidélité au roman

Les trois adaptations sont très fidèles au roman et reprennent les scènes essentielles. Roman Polanski est celui qui fait le plus de coupe dans le roman et son film ne comporte ni la scène nocturne où le cheval des Dubeyfield est tué, ni la conversion de Alec D’Urberville. Ce sont des scènes importantes du livre mais l’intrigue n’en est pas dénaturée pour autant. Et Polanski respecte un moment clef du livre qui est détourné dans les deux autres adaptations : la raison pour laquelle Angel abandonne Tess juste après leur mariage. Il reprend exactement ce que Thomas Hardy a écrit. Angel quitte Tess non pas à cause de sa relation avec Alec mais parce que son manque de volonté est pour lui le signe de la décadence des familles aristocratiques anglaises. Cette scène est pour moi essentielle car tous les malheurs de Tess ne découlent que de son nom, de sa descendance avec les D’Urberville.

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2-L’esthétique 

Là, les trois adaptations sont disparates quant à ce point. La version ITV est assez pauvre sur ce plan et les images ne sont pas très travaillées. La version de la BBC s’en sort bien avec de splendides paysages de la campagne anglaise. La dernière scène à Stonehenge est particulièrement réussie. Mais tout cela est peu trop lisse, un peu trop sage pour emporter une adhésion totale. Roman Polanski apporte un véritable regard de cinéaste sur l’histoire de Tess, les cadrages sont beaucoup plus travaillés que dans les deux autres adaptations. De plus, le réalisateur a énormément travaillé pour que l’arrière-plan de l’intrigue soit des plus réalistes. Le film fut tourné sur huit mois pour respecter le rythme des saisons, le mobilier est en partie d’époque, la reconstitution est vraiment saisissante.

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3-Alec D’Urberville

Le personnage est interprété par Leigh Lawson chez Polanski, Jason Flemyng pour ITV et Hans Matheson pour la BBC. Clairement, Jason Flemyng n’est pas à la hauteur des deux autres. Il est beaucoup trop fade et on se demande comment il est possible que Tess lui cède si facilement ! Le choix entre les deux autres acteurs est difficile. Hans Matheson nous propose un Alec torturé, complexe et pris entre un repentir sincère et son envie de posséder Tess coûte que coûte. Leigh Lawson joue un Alec dominateur de bout en bout. Il est brutal, pervers mais sait aussi se faire charmant quand il s’agit de séduire Tess. Les deux interprétations sont vraiment intéressantes et les deux acteurs sont tous les deux très convaincants.

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4-Angel Clare

Ici, le choix est beaucoup plus simple. Oliver Milburn et Peter Firth sont de charmants Angel. Mais ma préférence va à Eddie Redmayne qui décidément est un acteur remarquable. Je trouve qu’il incarne totalement la candeur, la naïveté de Angel. Chacune de ses apparitions illuminent la série de la BBC. Il apporte beaucoup de romantisme à cette histoire, son duo avec Gemma Arterton fonctionne totalement. On sent aussi parfaitement l’orgueil buté d’Angel qui l’empêche de pardonner à Tess et son changement, suite à son voyage au Brésil, se lit sur le visage de Eddie Redmayne.

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Là aussi, le choix s’impose de lui même. Nastassja Kinski EST Tess ! Il n’y a pas grand chose à reprocher à Justine Waddell et à Gemma Arterton, elles livrent deux très belles prestations. J’ai d’ailleurs trouvé que Gemma Arterton était encore meilleure dans le tragique qu’au début de la série. Mais Nastassja Kinski est vraiment très au-dessus de ces deux actrices dans le rôle de Tess. Elle en est l’incarnation idéale et c’est sans aucun doute son plus beau rôle. Elle est parfaite à chaque moment de l’intrigue et son jeu est tout en subtilité.  Sa beauté, sa pureté éclatent à l’écran au début du film. Les épreuves traversées par Tess marquent son visage et elle semble beaucoup plus vieille à la fin du film. Elle est empreinte de gravité alors qu’elle n’est qu’innocence à l’ouverture du film. Roman Polanski a su choisir l’actrice parfaite pour ce rôle.

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Après avoir visionné ces trois adaptations, celle de Roman Polanski s’impose comme la plus réussie. Il est vrai que le réalisateur a pris beaucoup de soin à réaliser cette histoire bouleversante et romanesque. C’est en effet Sharon Tate, quelques mois avant son assassinat, qui indiqua à son mari que le roman de Thomas Hardy ferait un bon film. Roman Polanski lui dédie ce qui ne fait que renforcer le côté poignant de « Tess ».

 

Maisie Dobbs de Jacqueline Winspear

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A Londres en 1929, Maisie Dobbs ouvre son agence de détective privé. Elle poursuit le travail de son maître à penser, Maurice Blanche dont elle a récupéré la clientèle. Il reste à voir si les clients vont faire confiance à une jeune femme seule. Sa première affaire ne tarde pas à se présenter. Un gentleman nommé Christopher Davenham aimerait faire suivre sa femme. Les nombreuses absences de celle-ci lui font soupçonner l’existence d’un amant. Une première affaire qui semble des plus classiques à première vue. En suivant Mrs Davenham, Maisie ne va pas découvrir une liaison mais une affaire beaucoup plus complexe et intéressante. Cette enquête va replonger Maisie Dobbs dans un passé qu’elle n’aime pas évoquer, celui de sa période en tant qu’infirmière durant le première guerre mondiale.

« Maisie Dobbs » est le premier roman de Jacqueline Winspear qui a écrit depuis treize autres livres avec cette héroïne. Malheureusement, seules les deux premiers sont traduits en français. Ce premier volet a donc pour but de nous faire connaître Maisie Dobbs. Fille de vendeur des quatre saisons, Maisie voit sa mère disparaître lorsqu’elle est jeune. Son père travaille dur pour élever sa fille correctement. Mais il finit par ne plus s’en sortir. Maisie va devoir être placé comme femme de chambre dans une maison de Belgravia. Et ce travail sera sa chance car Maisie est extrêmement brillante et avide de savoir, ce que vont remarquer Lady Rowan, son employeur, et son ami Maurice Blanche. Le personnage de Maisie est de ceux auxquels on s’attache, elle est intègre, intelligente et extrêmement volontaire. On prend donc plaisir à la suivre durant son enquête même si celle-ci manque de relief.

L’intrigue n’est effectivement pas le point fort de ce roman. Ce qui est véritablement intéressant dans « Maisie Dobbs », c’est ce que Jacqueline Winspear restitue de l’époque et ce qui s’y déroulait. Toute l’histoire porte sur l’après première guerre mondiale même si le roman comporte un long flash-back pendant que Maisie est infirmière. Comment les soldats aux gueules cassées se sont-ils réinsérés dans la société ? Et d’ailleurs ont-ils réellement retrouver leur place ? La manière dont l’Angleterre (c’est également valable pour la France) les ont accueillis est assez navrante. On ne voulait pas les voir, on voulait à tout prix oublier la guerre. Ce qui est également intéressant, c’est que Jacqueline Winspear ne se contente pas des gueules cassées, de ceux qui portent physiquement la marque des combats, elle évoque également les jeunes hommes brisés de l’intérieur. Leur mal-être devait être difficile à faire comprendre alors qu’ils étaient revenus entiers. Jacqueline Winspear traite parfaitement ce sujet à travers l’enquête de Maisie.

« Maisie Dobbs » est un roman policier tout à fait plaisant qui m’a plus intéressée par son arrière-plan historique que par son enquête elle-même. Et l’héroïne est assez attachante pour que l’on est envie de la retrouver.

La nuit sous le pont de pierre de Leo Perutz

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« Ces mots : « la fortune de Meisl », je les connaissais depuis toujours. Ils évoquaient la richesse, la propriété par excellence, l’or, les bijoux, les maisons, les immeubles et les caves remplies de toutes sortes de marchandises, en ballots, dans des caisses et des fûts. La « fortune de Meisl » n’était pas ce qu’on appelle la richesse, c’était l’opulence. Et lorsque mon père déclarait qu’il ne pouvait se permettre de faire une dépense qu’on attendait de sa générosité, il avait coutume d’ajouter : « Ah ! si je possédais la fortune de Meisl ! » » A travers quatorze chapitres, qui racontent chacun une histoire, Leo Perutz nous conte, de manière magistrale, la fortune de Mordecai Meisl.  La construction du roman est formidable est incroyablement bien pensé. Chaque histoire se suffit à elle-même, on peut penser au départ qu’il s’agit d’un recueil de nouvelles. Mais elles forment en réalité un tout parfaitement cohérent qui nous raconte comment Meisl devint riche et comment il mourut sans un sous en poche. C’est en filigrane que tout cela apparaît, les pièces du puzzle se mettent en place au fur et à mesure des chapitres. Leo Perutz entrecroise les époques, les personnages que l’on retrouve d’une histoire à l’autre. Dans les chapitres s’insinuent du merveilleux, du fantastique notamment lorsqu’est évoquée l’histoire d’amour d’Esther Meisl et l’empereur Rodolphe II. Tout cela est mené de manière absolument remarquable.

« La nuit sous le pont de pierre » nous transporte à Prague. Nous sommes principalement au moment du règne de Rodolphe II, fou d’art au point de se ruiner. On y découvre également sa passion pour l’alchimie, Rodolphe se voulait immortel. On arpente les rues de Prague où l’on croise beaucoup de crucifix et d’églises et surtout on découvre le quartier juif. Josefov était la plus grosse communauté juive d’Europe. Mordecai Meisel, un entrepreneur du XVIème siècle, a inspiré le personnage principal de ce livre. Il fit édifier une synagogue qui porte son nom. Dans le roman plane également l’ombre du grand rabbin Loew qui instille de la magie à l’histoire et qui fut le créateur du Golem. Leo Perutz raconte également la fin du quartier juif démoli pour raisons d’assainissement à la fin du XIXème siècle. Il reste aujourd’hui peu de choses de ce ghetto. Juif né à Prague, Perutz s’était éloigné de ses racines avant d’y revenir à la fin de sa vie où il s’imprégna à nouveau des légendes juives. « La nuit sous le pont de pierre », publié en 1953, est son dernier roman et il est imprégné de cette culture.

« La nuit sous le pont de pierre » de Leo Perutz est un bijou méconnu de la littérature européenne. L’auteur entrelace les époques, les histoires pour nous conter, en fil rouge, la fortune de Mordecai Meisl et celle de sa femme Esther. Absolument remarquable !